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domingo, 24 de noviembre de 2013

Libertad Lamarque - Biografia

Libertad Lamarque

Nació el 24 de noviembre de 1909 en Rosario. 
Su padre Gaudencio Lamarque, hijo de franceses se casó con una viuda con seis hijos, de esa unión nació Libertad. 
A los dieciocho años ya había debutado profesionalmente en el teatro, en la radio, grabado su primer disco, se había casado y tenido a su única hija y estaba a punto de separarse de su marido. 
Se inició en el cine con la película Adiós Argentina (Mario Parpagnoli, 1930). Trabajó en Tango (Luis Mogli Barth, 1933). Su primer papel protagonista fue el de El alma del bandoneón (M. Soffici, 1935). El éxito le llegó por su interpretación en Ayúdame a vivir (J.A. Ferreyra, 1936). Trabajó con Luis César Amadori (Madreselva, 1938; Caminito de gloria, 1939), Luis Saslavsky (Puerta cerrada, 1939; La casa del recuerdo, 1940) y Carlos Borcosque (Una vez en la vida, 1941; Yo conocí a esta mujer, 1942). 
Tras la llegada al poder de Perón, se radica en México, donde reinicia su carrera. Realizó La marquesa del barrio (Miguel Zacarías, 1950) La mujer sin lágrimas (Alfredo B. Crevenna, 1951), o La mujer X (Julián Soler, 1954). Luis Buñuel la contrataría para protagonizar Gran Casino, donde compartiría cartel con Jorge Negrete. 
Falleció el 12 de diciembre del 2000 en un hospital de la Ciudad de Mexico a los 94 años, víctima de una neumonía.


Alma Llanera - Pedro Vargas - Libertad Lamarque

viernes, 22 de noviembre de 2013

Scarlett Johanson - Biografia

Scarlett Johanson

Año 1984 - Nació el 22 de noviembre en Manhattan, Nueva York.

Hija del constructor danés Karlsten Johansson y de Melanie Sloan, americana pero de ascendencia polaca. Tiene un hermano gemelo, Hunter. Desde muy pequeña se interesó por la actuación, debutó en el teatro a los ocho años y cursó estudios en el Professional's Children School de Manhattan y en el prestigioso Lee Strasberg Theatre Institute.

Año 1994 - Sus comienzos en el cine fueron de la mano del director Rob Reiner en la película "Un muchacho llamado Norte".
Año 1996 - Destacado en la pelicula "Manny & Lo" dirigida por Lisa Krueger.

Año 1998 - Destacó en la película de Robert Redford "El hombre que susurraba a los caballos".

Año 2000 -  Posteriormente aparece en "Ghost World".

Año 2001 -  "El hombre que nunca estuvo allí".

Año 2002 - "Arac Attack".

Año 2003 -  Tuvo dos nominaciones al Globo de Oro como mejor actriz por “Lost in traslation”, film dirigido por Sofia Coppola y “Girl with a pearl earring”, un drama realizado por Peter Webber que Scarlett co-protagoniza con Colin Firth.

Año 2005 - Destaca en la cinta de Woody Allen, "Match Point", rodada íntegramente en Londres y donde encarnaba a la Nola Rice.


Año 2006 - Nominada a mejor actriz secundaria en los Globos de Oro, año en el que aparece en "The Black Dahlia", del realizador estadounidense Brian de Palma.




Filmografía:

2010 Iron Man 2
2009 He's Just Not That Into Y
2008 “The Spirit”, “Vicky Cristina Barcelona”.
2007 - “The Nanny Diaries”, “The Other Boleyn Girl”
2006 – “The Black Dahlia”, “The Prestige”, “Scoop”.
2005 - The Island”,”Match Point”.
2004 – “The Perfect Score”, “A Good Woman”, “A Love Song For Bobby Long”, “In Good Company”, “Entourage: New York [TV]”.
2003 – “Lost in Translation”, “Girl With a Pearl Earring”.
2002 – “Eight Legged Freaks”.
2001 -  “The Man Who Wasn't There”, “Ghost World”


2001 - "An American Rhapsody”.

1999 – “My Brother the Pig”.

1998 – “The Horse Whisperer”.

1997 – “Home Alone 3”.

1996 – “If Lucy Fell

1996 - Manny & Lo”.

1995 – Causa justa
1994 – “North”.



lunes, 11 de noviembre de 2013

Leonardo Di Caprio - Biografia

Leonardo Wilhelm Di Caprio

Nació el 11 de noviembre de 1976 en Hollywood, EE UU

Su madre lo llamó Leonardo porque cuando estaba embarazada y miraba una pintura de Da Vinci en un museo, dio su primera patada.

Hijo único de George DiCaprio, artista y productor italiano y de Irmelin Indenbirken, secretaria de origen alemán que nació en un refugio antibombas durante la Segunda Guerra Mundial.
Sus padres se divorciaron de forma amistosa cuando él tenía un año y viviría sobre todo con su madre en barrios de Los Ángeles como Echo Park. También pasó parte de su infancia en Alemania con sus abuelos maternos.

Lo comparaban en ocasiones con James Dean.
Apareció en series de televisión como Lassie, The Outsiders y Growing Pains, donde interpretó a un niño vagabundo. En esa última actuación el director Michael Caton-Jones lo incluyó en el elenco deThis Boy's Life.

Su primera película fue Critters 3 (1991); después trabajó en Mi vida como hijo, cuyo director, Robert De Niro, lo eligió entre 400 candidatos. Aparece en Rápida y mortal (Sharon Stone lo contrató personalmente); luego continuó con Los diarios de Basketball y El fuego y la sombra. Continuó con Reencuentro y Romeo y Julieta. Tuvo papel protagónico enTitanic, ganadora de 11 oscars y en el Hombre de la máscara de hierro.

Tras convertirse en un sex symbol para millones de adolescentes, interpreta La playa, película de Danny Boyle. Tras rodar con Martin Scorsese Gangs of New York, se volvió a poner a las órdenes de este director para dar vida al millonario excéntrico Howard Hughes en El aviador por la que recibió un Globo de Oro al Mejor Actor en 2004. Después realiza Diamante de sangre (2006), The Departed (2006), Revolutionary Road (2008), Shutter Island (2010) e Inception (2010).
El 10 de mayo de 2013 estrenó El Gran Gatsby adaptación cinematográfica de la novela de F. Scott Fitgerald.
En abril de 2014, participó en The Revenant, dirigida por Alejandro González Iñarritu.
El 10 de agosto de 2015, se anunció que Scorsese dirigiría una adaptación de The Devil in the White City, libro de Erik Larson, que estaría protagonizada por DiCaprio.

Nunca consumió drogas, y tuvo que hablar con un experto para prepararse el papel en El lobo de Wall Street.

Fue elegido por la revista People como una de las "50 personas más bellas del mundo" en 1998.

Es propietario de una compañía de producción llamada Appian Way Producciones.
En octubre de 2015, Appian Way adquirió los derechos cinematográficos de un libro sobre el escándalo de las emisiones de Volkswagen.

DiCaprio se ha relacionado sentimentalmente con las modelos Kristen Zang y Emma Miller. En 2000, conoció a la modelo brasileña Gisele Bündchen de quien se separó en 2005 y comenzó su relación con la modelo Bar Refaeli en noviembre de ese mismo año. Se separaron durante seis meses desde junio de 2009; pero a principios de 2010, reanudaron su relación. Finalmente, en mayo de 2011, se informó de que se separaban definitivamente. En 2011, se hizo pública su relación con la actriz Blake Lively; terminaron su relación en octubre del mismo año. Tuvo como pareja a la modelo Erin Heatherton desde diciembre de 2011 a octubre de 2012. Desde mayo de 2013, a diciembre 2014, se relaciona con otra modelo, Toni Garrn. En 2005, su rostro fue gravemente herido cuando la modelo Aretha Wilson le atacó con una botella rota en una fiesta de Hollywood. Tras declararse culpable en 2010, Wilson fue condenada a prisión por dos años.

Películas

2015 The Revenant
2013 The Wolf of Wall Street - The Great Gatsby
2012 Django Unchained - J. Edgar
2010 Inception
2009 Shutter Island - Farragut North - Atari
2008 Revolutionary Road - Conspiracy of Fools - Confessions of Pain - Body of Lies
2006 Blood Diamond - The Departed - The Rise of Theodore Roosevelt
2004 The Aviator
2002 Catch Me If You Can - Gangs of New York
2001 Don's Plum
2000 The Beach
1998 Celebrity - The Man in the Iron Mask
1997 Titanic
1996 Marvin's Room - William Shakespeare's Romeo + Juliet
1995 The Quick and the Dead - Total Eclipse - Les Cent et une Nuits de Simon Cinema - The Basketball Diaries
1993 What's Eating Gilbert Grape



1993 This Boy's Life


1992 Poison Ivy


1991 Critters 3 

miércoles, 30 de octubre de 2013

Agustin Lara










Agustín Lara Aguirre y Pino

Nació el 30 de Octubre en Tlacotalpán, México, en 1897.

Murió en Ciudad de México, en 1970.

Compositor de canción melódica. Por su formación autodidacta, su prolífica producción y su incontestable éxito, Agustín Lara ha sido considerado en numerosas ocasiones como el Irving Berlin de la canción mexicana. Conocido como el Flaco de Oro, son incontables las canciones compuestas por este músico que han conquistado una fama imperecedera: Granada(inmortalizada por el tenor Mario Lanza), el chotis Madrid, Noche criolla, La Cumbancha, Noche de ronda, Solamente una vez, Palmera o María bonita (escrita para su esposa, la actriz María Félix) son sólo algunas de las más célebres. Adaptadas a numerosos idiomas y cantadas en los más diferentes estilos, su éxito en el Viejo y el Nuevo Mundo procuró a su autor los mayores honores y el reconocimiento general. Junto con la canción melódica, Lara también sobresalió en la composición de música para cine; suya es, por ejemplo, la partitura de Santa, una de las primeras películas sonoras realizadas en México.

Aunque había estudiado piano y demostrado sus excepcionales dotes para la música, Agustín Lara ingresó a los quince años en el Colegio Militar; pronto se daría cuenta de que su vocación no era el militar. Durante la década de 1920 trabajó como pianista en bares y cafés y en salas de cine mudo; a finales de la década acompañaba ya al piano a intérpretes como Juan Arvizu y Maruja Pérez, que daban sus recitales en cines de la capital. En 1931 se puso al frente del programa La hora azul, de la emisora XEW. Comenzó a dirigir la orquesta El Son Marabú mientras voces como las de Ana María Fernández y Toña la Negra popularizaban sus canciones.

Empezó entonces una frenética carrera hacia la fama. En 1932 realizó su primera gira por el extranjero; actuó en París, donde su canción El farolito se convirtió en tema de moda. Obtuvo también un éxito sin parangón durante la gira que efectuó en México en 1935, junto a Pedro Vargas y el Chino Ibarra. Entre los principales espectáculos que Agustín Lara presentó al público se recuerdan especialmente Pecadora, Revancha, Coqueta, Mujeres en mi vida, Perdida y La mujer que yo amé.

Contratado para trabajar en Hollywood como musicalizador de películas, no le resultó sin embargo fácil acostumbrarse a aquel mundo frívolo y deshumanizado, con sus tensiones y su abundancia de divas y directores caprichosos. Aunque no quiso centrar su carrera profesional en el cine, su prestigio acabó por consolidarse en la industria del celuloide, gracias a las bandas sonoras que compuso para filmes como Santa, México Lindo, Carne de Cabaret, Virgen de medianoche, Pervertida, Noche de ronda, Humo en los ojos, Señora tentación, Cortesana y Aventurera.

Facilitó sin duda su entrada triunfal en el cine su matrimonio con la bellísima y siempre controvertida actriz mexicana María Félix, que tuvo lugar en 1945. Célebre por sus devaneos amorosos (se le solían atribuir romances con personajes populares del cine y la política), la actriz trabajó junto a los más destacados galanes del cine mexicano (Jorge Negrete, Pedro Infante o Pedro Armendáriz).

Durante su matrimonio con María Félix, Agustín Lara convirtió su casa de Las Lomas en un acogedor centro de reunión de escritores y artistas. Foco de atención del gran público, la popularidad de ambos no cesaba de crecer.
A lo largo de su dilatada carrera como compositor (y también como autor de la mayoría de sus letras), creó hermosas y románticas canciones que alcanzarían una popularidad universal. La obra de Lara comprende unas setecientas piezas entre boleros, pasodobles, baladas, tangos, pasacalles y melodías, que podrían enmarcarse dentro del género tropical; fue también el autor de la extraordinaria opereta El pájaro de oro (1946). Entre sus temas más conocidos sobresalen, junto a los ya citados, Lamento   jarocho, Mujer, Veracruz, Azul, Rival y Arráncame la vida; títulos todos ellos entrañables que han resistido el paso del tiempo hasta convertirse en canciones de siempre.
Con temáticas abiertamente eróticas, una asimilación de todas las corrientes musicales en boga y desconcertantes imágenes modernistas, Agustín Lara dotó a la canción romántica de una sensibilidad acorde con el medio urbano de los años treinta y cuarenta. Las letras de algunas canciones surgidas de su inspiración (Señora tentación, Te quiero, Cada noche un amor o Humo en los ojos) escandalizaron a la opinión pública, hasta el punto de que llegaron a prohibirse sus piezas en las escuelas. Cuestionado y considerado por sus detractores "el sepulturero de la canción mexicana", Lara fue pionero en el óptimo aprovechamiento de todos los medios de difusión: teatro de revista, discos y radio.

jueves, 10 de octubre de 2013

Jeanette - Biografia


Año 1951 - nació el 10 de Octubre en Londres. Concretamente en el barrio de Wembley, de madre canaria y padre del antiguo Congo Belga. Sus abuelos maternos eran de Santa Cruz de Tenerife y se dedicaban a la exportación-importación de la fruta entre Canarias e Inglaterra. Debido a esto, vivían entre Tenerife y Londres.

Año 1953 - Emigró con la familia a Chicago.

 Año 1958  - Residió en el estado de California.

Año 1964 - Viaja a España por primera vez en 1964, con su madre y hermanos y se estableció en Barcelona.

Cuando Jeanette llegó a España por primera vez se hizo muy amiga de un grupo de muchachos donde habian unos venezolanos que cantaban. Formaron un conjunto que se llamó Pic-Nic para amenizar fiertas juveniles y pasarlo bien. Los muchachos eran estudiantes y pronto tuvieron que regresar a Venezuela, pero entonces ingresó otro chico mexicano y con otros tres españoles Pic-Nic siguió siendo la atracción de la muchacha. Pos supuesto, Jeanette era la voz solista del conjunto. Un día alguien los animó a grabar y los llevó a los estudios donde pasaron una prueba con exito. Luego grabaron "Amanecer" y "Callate niña", que llegó a ser número uno por algunas semanas en España, pero el conjunto se disolvió prontto y Jeanette tuvo que viajar a Austria donde contrajo matrimonio con Laszio.



Jamás olvidaré los tiempos felices de los Pic-Nic -dice Jeanette-, con ellos aprendí a cantar y a sentir una gran aficion por la música; verdaderamente despertaron en mi una dormida vocación artistica que llevaba conmigo desde muy pequeña.

Jeanette ya fue idolo de millones de calcetineras, cocacoleras, lolas, quinceañeras o chicas ye-yés, como se les llamó y se les sigue llamando a las adolescentes de España y Latinoamérica, despues de grabar tantas estupendas canciones de Manuel Alejandro como "Soy rebelde", "El muchacho de los ojos tristes", "Estoy triste", "Comienzame a vivir", "Cuando estoy con él" y tantas otras.

El disco de "Soy rebelde estuvo varios meses en los primeros lugares de las listas en España, Argentina, Chile, Perú, Colombia, Venezuela y México.

Además "Soy Rebelde" por la dulce voz de esta interprete en frances, italiano, inglés y japonés. El resultado fue bueno en Francia y Bélgica, se oyó bastante en Inglaterra e Italia. En Japón fue una novedad.

Jeanette quedó muy satisfecha y ¿como no estarlo? En esa epoca, para una joven y nueva voz como la de ella, los resultados fueron formidables. Por eso, muy bien aconsejada por su casa de discos, grabó posteriormente "Estoy triste", otro tema de Manuel Alejandro, esta canción siguó fielmente la línea trazada por "Soy rebelde". Un tema dulce romántico, cantado con ese estilo tan particular de niña-mujer que caracteriza a Jeanette.



     Palabras de Jeannette


Nací un 10 de Octubre de 1951 en Londres,
     Mi madre vivió, se educó y se casó en Londres. Fruto de esa unión, nací yo, la primera de tres hermanos Además, fuí la primera de la familia que nació fuera de tierras canarias.

     De nombre me pusieron Jeanette, un nombre francés que supongo gustó mucho a mis padres pero menos a mi abuela, ya que ella siempre me llamaba Catalina, nombre según ella más apropiado. Mi madre se llamaba Candelaria, está claro que somos isleños.

    Cuando tenía solamente 2 años, mis padres decidieron irse a vivir a Los Ángeles, California. Allí nacieron mis hermanos, Ronnie e Yvette. Mi vida en Los Ángeles transcurrió como lo de cualquier niño americano. Vivíamos en una casa grande, típicamente americana y para desplazarme al colegio iba siempre en bicicleta. Iba a un colegio público, me gustaba estudiar y creo que era una buena deportista. Los rasgos característicos de mi niñez eran mi tez morena y las dos trenzas larguísimas que llevaba. Tuve una infancia bonita y lo recuerdo con mucho cariño.


        Cuando cumplí 12 años, mis padres se divorciaron y empezó una vida –para mí- menos feliz. Mi madre decidió volver a sus raíces y nos trasladamos a España, concretamente a Barcelona, donde mi vida cambió de una manera absoluta.

       El cambio fue difícil, debido a mi edad y las grandes diferencias entre la vida que conocí en Los Ángeles y la vida que ahora debía llevar en Barcelona. No hablaba nada de castellano, pero lo aprendí con bastante rapidez ya que me lo enseñaron en el colegio, pero creo que donde realmente lo aprendí, fue en la calle.

     Continué mis estudios en un colegio americano y poco a poco fui haciendo mis amistades. Al principio eran todos americanos, después empecé a conocer a mis amigos españoles. Iba desarrollando una vida más y más española con el tiempo y empecé a querer España. Me gustaban todavía las hamburguesas, pero también empecé a apreciar el pan con tomate y la tortilla de patatas. Poco a poco quedaron atrás las costumbres americanas, aunque tengo que reconocer que todavía queda algo por dentro. Si fui la primera de la saga en nacer fuera de España, fui también la primera en volver.




     Corrían los años 60 –a mediados más o menos cuando me regalaron una guitarra. Estaba de moda tocar la guitarra y la armónica porque entonces los ídolos eran Bob Dvlan, Donovan, Byrds... La guitarra no era muy buena, pero para mí era maravillosa y valía para aprender, así que me puse manos a la obra y aprendí a tocarla por mi cuenta. Le sacaba sonido y era feliz con lo poco que sabía tocar, los acordes justos. A la semana ya había compuesto mi primera canción, Cállate Niño, con, sólo tres acordes. Ya era feliz.

     Así empecé a componer sin parar, me era fácil. Al poco tiempo, conocí unos muchachos que ensayaban en el sótano de una farmacia, una farmacia del siglo pasado de las que no existen y de una belleza sin par. Un día al salir del colegio me fui a verles tocar y me encantó su música. Se llamaban Brenner's Folk, luego nos llamarían Pic Nic por razones comerciales. Ellos me tocaron su música, yo les enseñé la mía. Les toqué Cállate Niño y varios temas más y creo que quedaron encantados ya que mi estilo era bastante parecido al suyo.
      Nos unimos como grupo e hicimos una cinta en los viejos estudios de Radio Juventud de Barcelona para presentarlo a una casa discográfica (Hispavox). Allí se quedaron sorprendidos con nuestra música ya que no se parecía a nada de lo que se hacía en España en aquella época. Con la maestría de un músico como Totti Soler en la guitarra, 3 acordes y poco más, llegó el éxito y fue nº 1.

    Fue quizás Totti Soler quien más me enseñó lo que se puede llamar "la buena música". Nos Inspirábamos mucho en la músico americana. Empecé a componer con más clase y mejor gusto y como resultado surgió No digas nada que fue sin duda mi mejor canción.

    Pic Nic también grabó versiones de otros artistas, como es el caso de las canciones Negra Estrella de Peter Paul & Mary o Es el destino a tí de Janis Ian.

    Pic Nic se disolviió al poco tiempo por desgracia de muchos, y hoy solamente Totti Soler sigue en el mundo de la música. El resto del grupo se dedica a cosas totalmente distintas.

viernes, 4 de octubre de 2013

Charlton Heston - Biografía

Charlton Heston - Charles Carter

Nació el 4 de octubre de 1923 en Evanston, Illinois (EEUU).

Cursó estudios de Oratoria y Arte Dramático en la Northwest University y aparece en una película en 16 mm, Peer Gynt, en la que es el protagonista (1942); le sigue otra amateur en 1949, Julio Cesar , en la que interpreta a Marco Antonio. Sus inicios fueron como locutor en la radiode Chicago y en Broadway en 1947.

Intérprete de personajes históricos como Moisés en Los diez mandamientos,Cecil B. De Mille, 1956; Ben Hur, William Wyler, 1959; El Cid Campeador, Anthony Mann,1961; Juan Bautista en La historia más grande jamás contada, G, Stevens, 1965; Miguel Angel, en El tormento y el éxtasis C. Reed.....

Con su constitución atlética, sus rasgos marcados y su timbre de voz, Heston encajó perfectamente en el tipo de estrella que Hollywood buscaba para sus grandes producciones de los años 50, en los que la industria buscó inspiración en la Biblia y en los libros de Historia. Recibió un Oscar al mejor actor en 1959 por Ben Hur.


 En 1976 publicó sus memorias "The Actor's Life: Journals 1956-1976" y un año después en la ceremonia de entrega de los Oscars recibe el premio Jean Hersholt por sus contribuciones humanitarias.

Se casó en 1944 con Lydia Clark con quien tuvo dos hijos. En abril de 2003 y con un 'Winchester' en las manos, el actor dejó la presidencia de la Asociación Nacional del Rifle (NRA) de EEUU, donde encarnó durante cinco años la imagen de los partidarios de que las armas puedan circular y venderse libremente.

Falleció el 6 de abril de 2008 en su residencia de Beverly Hills, en Los Ángeles, a los 84 años. El artista, que llevaba retirado de la interpretación desde hacía años, padecía desde 2002 una enfermedad degenerativa similar al síndrome de Alzheimer.

Óscar

1978 — Premio Humanitario Jean Hersholt
1959 — Mejor Actor — Ben-Hur

Globos de Oro

1967 — Premio Cecil B. DeMille
1963 — Mejor Actor - Comedia o musical — The Pigeon That
1962 — Henrietta Award
1960 — Mejor Actor - Drama — Ben-Hur



1957 — Mejor Actor - Drama — Los diez mandamientos

Películas:


2004 Papa Rua Alguem 5555
2001 The Order - Town & Country
1999 Any Given Sunday - Gideon
1996 Alaska - Hamlet
1995 Avenging Angel
1994 True Lies - In the Mouth of Madness
1993 Tombstone - Wayne's World 2
1990 Almost an Angel - Solar Crisis
1987 Proud Men



1982 Mother Lode Actor / Director
1980 The Mountain Men - The Awakening
1977 Gray Lady Down - The Prince and the Pauper
1976 Midway - The Last Hard Men - Two-Minute Warning
1975 The Four Musketeers
1974 Airport 1975 - Earthquake
1973 Soylent Green - The Three Musketeers
1972 Skyjacked - Call of the Wild - 



1972 - Marco Antonio y Cleopatra Actor / Director / Guionista
1971 The Omega Man
1970 Julius Caesar - The Hawaiians - Beneath the Planet of the Apes
1969 Number One
1968 Planet of the Apes
1967 Will Penny - Counterpoint
1966 Khartoum
1965 Peer Gynt - The Greatest Story Ever Told - The War Lord - Major Dundee - The Agony and the Ecstasy
1963 55 Days at Peking
1962 The Pigeon That Took Rome - Diamond Head
1961 El Cid
1959 The Wreck of the Mary Deare - Ben-Hur
1958 Touch of Evil - The Buccaneer - The Big Country
1957 Three Violent People
1956 The Ten Commandments
1955 The Private War of Major Benson - Lucy Gallant - The Far Horizons
1954 Secret of the Incas - Bad for Each Other - The Naked Jungle
1953 The Pony Express 


1953The Savage
1953 Arrowhead - The President's Lady
1952 The Greatest Show on Earth 


1952 Ruby Gentry

1950 Julius Caesar

1950 Dark City

1941 Peer Gynt

sábado, 21 de septiembre de 2013

Leonard Cohen - Biografía

Nació el 21 de Septiembre de 1934 en Montreal. Su padre, un ingeniero propietario de una empresa de ropa, murió cuando Leonard tenía nueve años. Realiza sus estudios primarios en una escuela hebraica y asistió a la Universidad McGill, en donde a los 17 años formó un trío de música rústica del oeste llamado The Buckskin Boys (Los Chicos Gamuza). En su tercer año de carrera, abandona el techo familiar para irse a vivir con un amigo a un piso en el centro de la ciudad. Las relaciones de Leonard con su madre nunca habían sido demasiado cordiales, y esta nueva decisión suya, va a ocasionar un nuevo enfrentamiento entre madre e hijo, enfrentamientos que se sucederán repetidamente, alcanzando en cada nueva ocasión un mayor grado de violencia. 

Su madre, al borde de la histeria acabará siendo internada, en un hospital psiquiátrico. Terminada su carrera universitaria, obtiene una beca para hacer su tesis de licenciatura en inglés en Columbia, pero la rechaza. En 1956, cuando tiene 21 años, aparece publicado su primer libro de poesía, "Let Us to Compare Mythologies"("Vamos a Comparar Mitologías"), con alrededor de unos 45 poemas que ha escrito entre los 15 y los 20 años, y que, dedicado a su padre, Nathan B. Cohen. Abandona Montreal y con la excusa de asistir a las clases de la Universidad de Columbia, viaja a Nueva York. Publica su segundo libro de poemas, The Spice-Box of Earth (La Caja de Especias dela Tierra), que dedica a la memoria de su abuela, Mrs. Lyon Cohen, y de su abuelo, Rabbi Salomon Klinitsky, de quien incluye en las últimas páginas del libro unas líneas de su Diario personal. Después de una breve pausa en la Universidad de Columbia, en Nueva York, obtuvo un premio y viajó por toda Europa. Se estableció en la isla griega de Hydra, donde compartió su vida con Marianne Jenson y su hijo Axel. Cohen permaneció en Grecia saliendo y regresando durante siete años. Escribió otra colección de poesías, la controvertida Flores para Hitler (1964) y dos novelas, El Juego Favorito (1963) un retrato del artista adolescente judío en Montreal, y Bellos Perdedores (1966) descrita en su cubierta como una épica religiosa en desacuerdo de incomparable belleza. Después de su publicación The Boston Globo aclamó: James Joyce no está muerto. Está viviendo en Montreal bajo el nombre de Cohen. Hasta la fecha cada libro ha vendido más de 800,000 copias en todo el mundo. Regresó a Estados Unidos tratando de establecerse cerca de Nashville y persiguiendo una carrera de músico con Judy Collins como su intérprete, quien grabó Suzanne y Dress Rehearsal Rag, (Ensayando a Vestirse con Andrajos) que aparecieron en su álbum In my Life. Cohen apareció en el Festival de Newport Folk en 1967, donde llamó la atención del legendario Hombre R de la compañía Columbia, John Hammond (quien también reclutó a gente como Billie Holiday, Bob Dylan y Bruce Springsten para la famosa marca): ya para Navidad, Columbia había lanzado su primer álbum. Durante los últimos 30 años, y a lo largo de ocho volúmenes de poesía, dos novelas y 11 discos, Cohen ha compartido su visión con quienes saben explorar los misterios de la vida interior. 


En 2005, denuncia a su representante, Kelley Lynch, por desvío de fondos (5 millones de dólares). En marzo de 2006, obtiene sentencia a su favor, Lynch se da a la fuga. En el mismo año lanza un nuevo libro de poemas, Book of Longing y se estrena el documental Leonard Cohen: I'm Your Man. Reaparece en una librería de Toronto el 13 de mayo de 2006, cantando So Long, Marianne y Hey, That's No Way To Say Goodbye, acompañado por The Barenaked Ladies y Ron Sexsmith. En 2008 regresa a los escenarios con 73 años, para realizar una gira mundial que es acogida con entusiasmo tanto por la crítica como por el público. En 2009 sale a la venta Live in London, que recoge la grabación de uno de los conciertos de la gira. El 18 de septiembre de 2009 sufre un desvanecimiento durante un concierto en Valencia, España y el 20 de octubre, se pone a la venta Live At The Isle Of Wight 1970, un CD + DVD con su histórica actuación en el Festival de la Isla de Wight en 1970 ante 600.000 personas. Hay una festival anual Leonard Cohen en Krakow, Polonia. En Inglaterra Nick Cave, Ian McCulloch y Morrissey reconocen su influencia; el grupo The Sister of Mercy incluso tomó su nombre de una de sus primeras canciones.


Una semana después de su lanzamiento, "Old Ideas", el nuevo álbum de Leonard Cohen, entra directamente en el número 1 de la lista de discos más vendidos en España.

martes, 13 de agosto de 2013

Alfred Hitchcock - Biografia


Alfred Hitchcock

Nació el 13 de Agosto de 1899 en Leynstontone Inglaterra

Figura indiscutible del cine de misterio y de intriga, la capacidad del cineasta Alfred Hitchcock para aplicar recursos narrativos innovadores al servicio del suspense tuvo una importancia fundamental para el desarrollo del lenguaje cinematográfico moderno. Con un dominio excepcional de las técnicas cinematográficas, produjo películas que mantienen al espectador en un constante estado de tensión hasta el final de la proyección y que lo llevan a vivir apasionadamente lo relatado en la pantalla. El Mago del suspense supo unir tramas de gran solidez con imágenes de excepcional fuerza expresiva, concilió la calidad con el éxito comercial y legó una de las filmografías más brillantes e influyentes de la historia: su huella habría de percibirse en numerosas imitaciones y en la obra de realizadores tan distintos como el francés François Truffaut o los estadounidenses Brian de Palma y David Lynch.
Alfred Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leytonstone, una población entonces cercana al neblinoso Londres de Sherlock Holmes, Jack el Destripador y Scotland Yard, y que hoy es un distrito del East End de la capital británica. Sus padres, William Hitchcock y Emma Jane Wehlan, dueños de un negocio de comestibles, ya tenían dos hijos, William (1890) y Ellen Kathleen (1892), y gozaban de una cierta estabilidad económica, pero tampoco vivían de un modo excesivamente holgado.
La figura de su padre intervino de una forma muy especial en la formación del carácter y la personalidad del muchacho. Cuando tenía cuatro o cinco años, su padre lo mandó a la comisaría de policía con una carta. El comisario la leyó y lo encerró en una celda durante algunos minutos diciéndole: "Esto es lo que se hace con los niños malos." Nunca comprendió la razón de esta broma siniestra, porque su padre lo llamó su "ovejita sin mancha", y vivió una infancia disciplinada, aunque algo excéntrica y solitaria, escudriñando siempre desde su rincón, con los ojos muy abiertos, todo lo que pasaba a su alrededor. 
Para Hitchcock, su padre era el típico comerciante del East End, que tenía el orden, la disciplina y la austeridad en la cima de su escala de valores para afrontar la vida. Así, el autoritarismo y la rigidez moral presidieron la educación del joven Alfred. De aquí arranca el interés del director por el tema de la culpa, omnipresente en todos sus filmes y esquema común de la trama profunda de sus historias, normalmente como una alegoría sobre el pecado y la redención. Hitchcock hablaría muy pocas veces de su madre, y, sin embargo, de mayor intentó siempre mantenerla a su lado. Las repercusiones del catolicismo en su personalidad se acrecentaron durante sus años escolares, puesto que su primera escuela fue la Casa Conventual Howrah, en Poplar. La familia se había trasladado en 1906 a esta otra población desde Leytonstone para abrir un nuevo establecimiento. Al cabo de dos años, Alfred abandonó la Casa Conventual porque volvieron a trasladarse, esta vez a Stepney. Allí el muchacho ingresó en el Colegio de San Ignacio, fundado por los jesuitas en 1894 y especialmente reconocido por su disciplina, su rigor y su estricto sentido católico. Este centro jesuítico dejó una profunda huella en Hitchcock por el modo como eran tratados allí la culpa y el perdón. El mismo Hitchcock lo explicaría años más tarde: «El método de castigo, por supuesto, era altamente dramático. El pupilo debía decidir cuándo acudir al castigo que se le había impuesto. Debía dirigirse a la habitación especial donde se hallaba el cura o el hermano lego encargado de administrarlo. Algo parecido a dirigirte a tu ejecución. Creo que era algo malo. No usaban el mismo tipo de correa con que azotaban a los chicos en otras escuelas. Era una correa de caucho». Esta práctica acentuó el miedo del pequeño Alfred a todo lo prohibido y acaso le descubrió los condimentos más emocionantes del suspense, esa turbia confusión sadomasoquista que florece ante lo inminente y fatal. Hasta los catorce años permaneció en el colegio. En su primer curso sobresalió por su aplicación y obtuvo una de las seis menciones honoríficas que la dirección del centro concedía. Había conseguido la calificación de excelente en latín, francés, inglés y formación religiosa: las asignaturas que, según el criterio de sus maestros, eran de mayor importancia. Sin embargo, el último año en San Ignacio se destapó el lado travieso, bromista y trasgresor del joven Alfred, o mejor, del joven Cocky, de acuerdo con el apodo con que lo conocían sus compañeros. Se dedicó a robar huevos del gallinero de los jesuitas para arrojarlos contra las ventanas de las habitaciones de los sacerdotes; o, ayudado por compinches, maniataba a algunos de sus compañeros y encendía petardos colocados en sus traseros. También esta vertiente, por un lado irónica y por otro traviesa, infractora de la ley y hasta gamberra, aparecería luego como uno de los rasgos típicos de su filmografía. Se trataba de un manera lúdica e indirecta de superar el complejo de culpa, siempre al acecho inconscientemente.
 Hitchcock recordaba estos años con amargura y, al mismo tiempo, como una influencia importante en su obra: «Si han sido educados en los jesuitas como yo lo fui, estos elementos tienen importancia. Yo me sentía aterrorizado por la policía, por los padres jesuitas, por el castigo físico, por un montón de cosas. Éstas son las raíces de mi trabajo.» Es fácil relacionar estos años vividos en el Colegio de San Ignacio con el interés de Hitchcock por lo macabro y lo criminal. De aquellos años datan también las visitas del joven al Museo Negro de Scotland Yard para contemplar su colección de reliquias criminales, y al Tribunal de lo Criminal de Londres, donde asistía a los juicios por asesinato y tomaba notas al modo de Dickens, uno de sus escritores preferidos en aquella época, junto con Walter Scott y Shakespeare. 
En 1913 dejó el colegio y trató de orientar su futuro profesional. Comenzó los estudios de ingeniero en la School of Engineering and Navigation y siguió cursos de dibujo en la sección de Bellas Artes de la Universidad de Londres; al mismo tiempo ayudaba a sus padres en la tienda. Fue entonces cuando descubrió una nueva afición para sus ratos de ocio: el cine, que estaba empezando a imponerse como una de las actividades lúdicas más importantes de Londres. En la capital había más de cuatrocientos aparatos de proyección, instalados a menudo en pistas de patinaje. De cinéfilo a director Hitchcock, que desde los dieciséis años leía con avidez revistas de cine, no se perdía las películas de Chaplin, Buster Keaton, Douglas Fairbanks y Mary Pickford. Pudo admirar, cuando las películas mudas constituían una auténtica revelación de las ilimitadas posibilidades del cine, El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916), apabullante éxito y estrepitoso fracaso, respectivamente, del gran Griffith. Años después le impresionó vivamente un film de Fritz Lang, Der müde Tod Las tres luces, 1921), historia fantástica que desarrolla el tema romántico de la lucha entre el amor y la muerte mediante tres episodios que suceden en China, Bagdad y Venecia, y que decidió también la vocación cinematográfica del español Luis Buñuel. Al mismo tiempo mantenía su afición por la lectura. «Es muy probable que fuera por la impresión que me causaron las historias de Poe por lo que me dediqué a rodar películas de suspense. No quiero parecer inmodesto, pero no puedo evitar comparar lo que he intentado poner en mis filmes con lo que Poe puso en sus narraciones», diría años más tarde.
En diciembre de 1914 murió su padre. Alfred quedó profundamente afectado y hubo de rehacer su vida junto a su madre. Los hermanos mayores ya no vivían en la casa y, además, había estallado la Primera Guerra Mundial. Tuvieron que abandonar el negocio y volver a Leytonstone, porque allí tenían más amigos. El muchacho encontró trabajo al cabo de poco tiempo en las oficinas de la Henley Telegraph and Cable Company. Por quince chelines a la semana revisaba o calculaba los tamaños y los voltajes de los cables eléctricos. Sin embargo, como esta ocupación no le gustaba, al cabo de unos meses logró que le trasladaran al departamento de publicidad. Con ese trabajo creativo se labró cierto prestigio, a pesar de su juventud. Se libró del reclutamiento gracias a su trabajo en una compañía que colaboraba con la guerra y a su obesidad. 
En 1920, a los veintiún años, aquel joven cuya afición al cine había ido creciendo leyó en una revista que una compañía cinematográfica estadounidense, la Famous Players-Lasky, iba a instalar unos estudios en Londres. No se lo pensó dos veces y se presentó en las oficinas de la Famous con unos bocetos de decoración para películas mudas que había diseñado con la ayuda de su jefe en el departamento de publicidad de la Henley. De inmediato, la compañía lo contrató como diseñador de rótulos y decorados y, en cuanto el sueldo de la Famous se lo permitió, abandonó la Henley. El primer año trabajó de rotulista en varias películas, y al año siguiente consiguió que le fueran encargados los escenarios y los diálogos menores de nuevos filmes. Los escribió bajo la dirección de Georges Fitzmaurice, quien también le inició en las técnicas de filmación. 
En 1923 el actor, guionista y productor Seymour Hicks le ofreció que codirigiera un filme menor, Always tell your wife, y poco después colaboró en el rodaje de una película inacabada por falta de presupuesto, Mrs. Peabody. Eran sus primeras experiencias cinematográficas de verdad. En los estudios, Hitchcock había conocido a una tal Alma Reville, un muchacha de su misma edad, natural de Nottingham, extremadamente menuda y delgada (todo lo contrario que él) y gran aficionada al cine, que había trabajado en los estudios de una compañía londinense desde los dieciséis años, la Film Company, y que luego pasó a la Famous. Alma y Hitchcock colaboraron en varias películas dirigidas por Graham y Cutts, y en 1923 viajaron a Alemania para localizar los exteriores de un filme cuyo guión había escrito Hitchcock, The prude's fall. En el barco de regreso a Inglaterra, Hitchcock se declaró e iniciaron un largo noviazgo. Los primeros años trabajaron juntos en películas de la productora de Michel Balcon, la Gainsbouroug Pictures Ltd., como por ejemplo The blackguard, un filme para el cual el equipo tuvo que trasladarse varios meses a Alemania, circunstancia que Hitchcock aprovechó para conocer la obra de los grandes directores alemanes de la época, como Fritz Lang o Erich von Stroheim. En 1925, Balcon le propuso dirigir una coproducción anglo-alemana titulada El jardín de la alegría (The pleasure garden). Era su primera oportunidad como director. El resultado, al parecer, agradó a los directivos, porque aquel mismo año dirigió otros dos filmes, El águila de la montaña (The mountain eagle) y El enemigo de las rubias (The lodger). Las tres se estrenarían en 1927.
El 2 de diciembre de 1926 se casó con Alma según el rito católico y se establecieron en Cromwell Road, en Londres. Al estrenarse, los filmes obtuvieron una buena acogida por parte del público y de la crítica. En ellos, el director aparecía marginalmente, sin estar incluido en el reparto: era su manera de firmar sus películas, que luego se haría tan popular. Aprovechando el éxito, cambió de productora, y a finales de 1927 rodó El ring (The ring), un filme basado en un guión propio con la British International Pictures. Con esta película se convirtió en uno de los directores más cotizados de Inglaterra y empezó su camino fulgurante hacia la fama internacional. La fama Con el éxito internacional aumentó considerablemente sus ingresos, y se compró una casa de veraneo en Shamley Green, en las afueras de Londres, cerca de la cual se instalaría su madre poco después. En 1928 nació su hija Patricia Alma; al parecer, el director nunca había pasado tantos nervios como durante el parto. Por entonces, los Hitchcock tenían una intensa vida social, y las veladas con amigos de la productora, la British, eran habituales en la casa de Cromwell Road, en las que a veces ofrecía a los amigos uno de sus números cómicos particulares: Hitchcock, que pesaba más de ciento treinta kilos, aparecía desnudo de cintura para arriba, con un marinero pintado en la inmensa barriga, que agitaba rítmicamente mientras silbaba. En una ocasión se vistió de mujer y grabó su actuación. La cinta, que conservó toda su vida, sería exhibida en 1976 en una sesión privada en los estudios de la Universal. En 1928 rodó sus últimos filmes mudos, The farmer's wife, Champagne y The maxman, y al año siguiente estrenó su primera película sonora, La muchacha de Londres (Blackmail), basada en una obra teatral que estaba teniendo un gran éxito en la capital. Por primera vez un filme británico incorporaba una banda sonora, a partir de la tecnología de la RCA estadounidense.
Otros filmes hablados, como Juno and the Paycock (1930), Murder (1930) y The Skin game (1931), sin alcanzar un gran éxito de público y crítica, le confirmaron como uno de los directores británicos más inteligentes y creativos y que más innovaciones e ideas técnicas estaba aportando al mundo del cine. Su preocupación era encontrar un estilo narrativo propio, para lo cual descubrió nuevas posibilidades expresivas en el montaje, en los movimientos de cámara y en el empleo de la luz. Lo suyo era el arte de la cámara: su enorme dominio de la imagen, a nivel persuasivo y sentimental, hacía que el público se identificara con sus historias y con sus personajes y convertía en verosímiles la fantasía y el misterio, las situaciones extrañas y originales con que vestía la realidad. Su extraordinaria narrativa cinematográfica llevaba al público a vivir apasionadamente lo que sucedía en la pantalla. En 1932, por imposición de la British, tuvo que filmar una comedia de enredos y persecuciones, El número 17 (Number Seventeen), y luego rodó Mejor es lo malo conocido (Rich and Strange, 1932), una película cuyo argumento se le ocurrió al matrimonio Hitchcock durante un crucero por el Atlántico y el Caribe que hicieron con su hija en 1931: una modesta pareja londinense, gracias a una herencia inesperada, realiza un crucero alrededor del mundo, durante el cual pasan de la alegría a los temores, las tristezas y las infidelidades, para recuperar, tras un naufragio, su lealtad. Después de Valses de Viena (Waltzes from Vienna, 1933), una biografía del compositor Richard Strauss hecha por encargo, Hitchcock volvió a trabajar para Michel Balcon, que había fundado la productora Gaumont-British. 

 
Maestro del suspense A partir de entonces empieza la gran época del cine de Hitchcock, la época de los grandes títulos de su filmografía, una etapa dorada de creación ininterrumpida que duraría prácticamente hasta el fin de sus días. La primera película que hizo con la nueva productora fue El hombre que sabía demasiado (The man who knew too much, 1934), una obra de arte del cine de suspense que fue elegida por la crítica como la película del año en Inglaterra. Le siguieron otros títulos fundamentales de su filmografía: 39 escalones (The thirty-nine steps, 1935), Agente secreto (The secret agent, 1936) y Sabotaje (Sabotage, 1936), todos ellos filmes ya clásicos en los que la trama y la intriga lograban crear una tensión psicológica como nunca se había visto en el arte cinematográfico, y en los que la fuerza expresiva de las imágenes mezclaba con genial sabiduría la acción y los apuntes psicológicos de los personajes. Todo ello se rodeaba a menudo de un trasfondo metafísico-existencial en el que se concebía el amor de un modo romántico y redentor, y en el que la delimitación entre el bien y el mal y la conciencia de pecado no estaban exentas de cierta fascinación divertida por los malvados. Hitchcock era humanista y satírico a la vez, sádico y con un particular sentido del humor.


En cada nuevo filme perfeccionaba la técnica de la intriga, que a lo largo de su carrera llegó a cimas difícilmente superables. Su último filme británico fue La posada de Jamaica (Jamaica Inn, 1938), que no obtuvo mucho éxito a pesar de estar protagonizado por Charles Laugthon, ya famoso, junto a una jovencísima Maureen O'Hara. En marzo de 1939, meses antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, Hitchcock partió junto a su mujer, su hija y su secretaria personal, Joan Harrison, a Nueva York. En Hollywood El viaje respondía a una oferta de David O. Selznick, el poderoso productor norteamericano, que en un viaje a Estados Unidos realizado el año anterior le había propuesto dirigir en Hollywood. La película resultante fue Rebeca (Rebecca, 1940), uno de sus filmes más célebres, que supuso un Oscar para la protagonista, Joan Fontaine. La siguiente película estuvo condicionada por la circunstancia histórica: la guerra se extendía, parecía larga y complicada, y en Enviado especial (Foreing Correspondent, 1940), una obra de contenido belicista, hizo un alegato en favor de los aliados.
Hitchcock había llegado a un acuerdo con Selznick por el que le produciría dos películas al año por un sueldo de 2.750 dólares semanales y una bonificación de 15.000 dólares anuales. Una cláusula especial le permitía en 1941 rodar dos películas con otra productora, la R.K.O. Se trataba de Matrimonio original (Mr. and Mrs. Smith) y Sospecha (Suspicion), otro de los títulos clásicos de su carrera. El director seguía en su línea de perfeccionamiento del cine de intriga, aportando en cada película nuevos descubrimientos técnicos, ocurrencias narrativas y trucos geniales que crearon escuela en la historia del cine. 


Al poco tiempo de llegar a Hollywood, en 1941, los Hitchcock se trasladaron al apartamento de Carole Lombard en Bel Air; la actriz había decidido vivir con su pareja, Clark Gable. El mismo año, dado que la conflagración mundial se complicaba cada vez más, Alma viajó a Inglaterra y trajo consigo a su madre. Alfred también fue a Londres para recoger a la suya y llevarla a los Estados Unidos, pero su madre se negó. Hitchcock, cuya vuelta a Los Ángeles coincidió con los primeros bombardeos nazis sobre Inglaterra, tuvo que conformarse pensando que su madre vivía todo el tiempo en Shamley Green y contaba con la protección de su hermano William. Al año siguiente, Carole Lombard murió y el matrimonio tuvo que cambiar de casa; se trasladaron a Bellagio Road, también en Bel Air. Su siguiente película fue Sabotaje (Saboteur, 1942), producida por la Universal Pictures a pesar de la oposición de Selznick, que provocó una gran tensión a lo largo del rodaje. A partir de entonces decidió no rodar más de una película por año. En 1943 hizo La sombra de una duda (Shadow of a doubt). Aquel año murió su madre en Londres, el 26 de septiembre, a causa de una polionefritis aguda. Hitchcock a duras penas pudo soportar el golpe: quedó emocionalmente destrozado y adelgazó cuarenta kilos en pocos meses.
Los decorados oníricos de Recuerda (1945) corrieron a cargo de Dalí La serie de filmes siguientes contenía títulos también de primer orden; algunos figuran entre sus obras más importantes: Náufragos (Lifeboat, 1943); Recuerda (Spellbound, 1945); Encadenados (Notorious, 1946), con Ingrid Bergman; El proceso Paradine (The Paradine Case, 1947), con Gregory Peck en el papel principal; y La soga (Rope, 1948), su primer filme en color, con James Stewart de protagonista, actor que se convertiría en uno de sus preferidos y con quien trabajaría en muchas otras películas célebres. En Recuerda, considerada como una de las cimas de la filmografía de Hitchcock, trabajaba por primera vez con Ingrid Bergman y con Gregory Peck, al que lanzó a la fama, y contó con la colaboración de Salvador Dalí para los decorados, de tipo onírico. Algunas de las secuencias con los dos protagonistas se cuentan, a juicio de muchos especialistas, entre las mejores escenas de amor romántico de toda la historia del cine.Los gloriosos cincuenta 


A comienzos de los años cincuenta, con su reputación cinematográfica por las nubes y una sólida posición económica, estrenó películas que confirmaron su fama en el mundo entero, como Atormentada (Under Capricorn, 1949), Pánico en la escena (Stage Frigth, 1950) y Extraños en un tren (Strangers on a train, 1951), un éxito rotundo de crítica y de público. La versión radiofónica del filme, estrenado por la CBS, batió todos los récords de audiencia. Extraños en un tren (1951) En 1951, el matrimonio Hitchcock realizó un viaje de placer por Italia, Alemania, Países Bajos, Suecia y Noruega. Durante el viaje, la hija de Hitchcock se prometió con Joseph O'Conell, un alto cargo de una corporación, con quien se casó en la catedral de San Patricio de Nueva York al año siguiente. El padre no vio con muy buenos ojos esta boda de su hija, puesto que hasta entonces la muchacha había colaborado con él en algunas películas (años más tarde trabajaría en Psicosis y estudiaba teatro; hubiera querido un yerno relacionado con el mundo del cine. A cambio, intentó atraer a O'Conell a la industria cinematográfica, sin mucho éxito. Yo confieso (I confess, 1953), el filme siguiente, se rodó en medio de una difícil relación entre el director y el protagonista, un Montgomery Clift en un estado de destrucción psicológica y alcoholismo bastante preocupante. Parece ser que una noche, durante el rodaje, Hitchcock llegó a emborrachar premeditadamente a Clift para dejar en evidencia los límites de su desequilibrio. Apareció entonces en el firmamento cinematográfico de Hitchcock una nueva estrella que acapararía durante unos años toda su atención: Grace Kelly. Con ella, la actriz que mayor fascinación le produjo nunca en su carrera, rodó Crimen perfecto (Dial M for murder, 1953), La ventana indiscreta (Rear window, 1954), junto a James Stewart, y Atrapa a un ladrón (To catch a thief, 1955), junto a Cary Grant. Son algunas de las películas más conocidas del maestro de la intriga. Su adoración por Grace llegó a su punto máximo en la última de las tres, cuyo rodaje se alargó a causa de que el director se empeñó en que la actriz bailara con un espectacular traje dorado en la última escena. 

La ventana indiscreta (1954) En 1955 estrenó Pero ¿quién mató a Harry?, que dio su primera oportunidad y lanzó a la fama a una veinteañera Shirley MacLaine. Era un brillante experimento en el que el misterio y la intriga se mezclaban genialmente con lo cómico, en una combinación de comedia y cine de suspense. A raíz de su nueva nacionalidad estadounidense, obtenida en 1955, firmó un contrato con la productora de televisión CBS para realizar una serie semanal de media hora de duración titulada Alfred Hitchcock presents, que de 1960 a 1965 se siguió realizando para la NBC. Una segunda versión de El hombre que sabía demasiado, (1956), con James Stewart y Doris Day, Falso culpable (The Wrong Man, 1957), con un estelar Henry Fonda, Vértigo (Vertigo, 1958), de nuevo con Stewart, ahora junto a una Kim Novak debutante, y Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959), con Cary Grant y Eva Marie Saint, fueron la serie de filmes archifamosos de la segunda mitad de los años cincuenta. Todas las protagonistas femeninas de Hitchcock empezaban a responder a un mismo prototipo: Kelly, Novak o Saint eran rubias platino, delgadas, dulces, bellas, delicadas, angelicales, finas; toda una propuesta de arquetipo femenino. La etapa final En 1960 llegó Psicosis (Psycho), uno de sus éxitos más clamorosos y polémicos.


 Superando a sus obras anteriores, la película conmocionó la mentalidad de la época e inauguraba el género del suspense de tema psiquiátrico, el llamado thriller psicológico. Un jovencísimo Anthony Perkins (interpretando la doble personalidad de Norman Bates), Vera Miles y Janet Leigh formaron el famoso trío protagonista. El rodaje había sido carísimo, pero la recaudación fue tal que Hitchcock, con los beneficios obtenidos, pudo comprar tantas acciones de la Universal como para convertirse en el tercer accionista de la compañía.
Las siguientes películas estuvieron marcadas por el descubrimiento de una nueva actriz y musa particular, Tippi Hedren. Con ella rodó dos películas fundamentales en la evolución de su obra, Los pájaros (The Birds, 1963) y Marnie, la ladrona (Marnie, 1964). Parece que el interés a nivel personal del director por la actriz llegó a tal extremo de insistencia, según pudo comprobar todo el equipo del rodaje, que la relación acabó cortada por completo, porque Hitchcock no pudo soportar el rechazo de Hedren y decidió no volver a trabajar con ella. En sus filmes siguientes supeditó su creatividad y su bagaje acumulado a ciertos criterios comerciales y a la colaboración de estrellas consagradas. Así, filmó Cortina rasgada (Torn Curtain, 1966) con Paul Newman y Julie Andrews, y Topaz (1969), películas ambas muy marcadas por el contexto de la guerra fría, en las que se daba un mensaje propagandístico claramente prooccidental y antisoviético.

En 1968, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le concedió el Memorial Irving G. Thalberg, en compensación del error tremendo de no haberle concedido nunca un Oscar, a pesar de que había sido nominado en cinco ocasiones (por Rebeca, Náufragos, Recuerda, La ventana indiscreta y Psicosis). Una vez más, uno de los mejores directores de la historia del cine se había quedado sin la estatuilla. En el acto de entrega el director se limitó a dar las gracias. Mientras, en Europa, la obra de Hitchcock se había convertido en referencia y guía de toda una nueva generación de directores, entre los que destacaría Truffaut, de cuyas charlas con el maestro surgió un largo libro en el que el cineasta hablaba extensamente de su vida, del cine y de su obra.
En 1971, con motivo del rodaje de Frenesí (Frenzy, 1972), permaneció en Europa una temporada, durante la cual se le sumaron las dificultades: su salud empezó a empeorar y Alma sufrió un ataque de apoplejía que le afectó el habla. La posibilidad de perder a su esposa aumentó la predisposición de Hitchcock hacia el alcohol. Cuando en 1975 su esposa experimentó una mejoría, recuperó parte de su antiguo vigor y rodó La trama (Family Plot, 1976), su última película.

Pero, a sus setenta y seis años, Hitchcock padecía de artritis y su corazón estaba delicado. En 1976 el director sufrió un colapso, y Alma un nuevo ataque de apoplejía. Durante los años siguientes sus colaboradores trataban de mantenerle el ánimo alto y le visitaban con frecuencia, intentando alejarlo de los rumores periodísticos sobre su alcoholismo y su envejecimiento progresivo. Llovían los homenajes: en 1978 recibió el premio a la labor de una vida del American Film Institute; en 1979 fue galardonado como el Hombre del Año por la Cámara de Comercio británico-americana; el mismo año fue nombrado por real decreto caballero comendador del Imperio británico. Pocos meses después, la mañana del 29 de abril de 1980, moría el maestro y el genio del cine de terror, de suspense y de misterio, un hombre que creó un estilo y un mundo propios como pocos directores lo lograron a lo largo de la historia del cine. Se hallaba preparando ansiosamente, con su rigor y meticulosidad habituales, un nuevo guión de hierro para su película número cincuenta y cuatro, adaptación de la novela de Ronald Kirkbride titulada The short night. Pero Hitchcock, que había dicho "mi amor por el cine es más fuerte que cualquier moral", ya no podía hacer cine

martes, 30 de julio de 2013

Paul Anka - Biografía


Paul Anka

1941 – Nació en Canadá el 30 de julio.
Paul nació en el seno de una familia de inmigrantes libaneses que se habían establecido en la ciudad de Ottawa en donde tenían un restaurante.

1953 - Con 12 años inicio su vida en el ambiente del espectáculo gracias a sus aptitudes como Showman y hasta se sabe que sacaba el auto de su padre sin permiso para presentarse en los concursos de talentos y cantantes aficionados en la ciudad de Montreal.

1955 – Con 14 años decide pasar un tiempo en la ciudad de Los Ángeles con un tío, quien estaba ligado al mundo del espectáculo, así empieza Paul a hacerse conocido.

1956 – En Septiembre graba su primer sencillo “Confess”.

1957 - Sus primeros temas fueron Diana, que la grabó a los 16 años y que logró ser la número uno en ambos lados del Atlántico.

También se ubicaron cuatro de sus temas en los top 20 entre los que figuraban Crazy Love y You are my destiny, siendo un ídolo para todos aquellos jóvenes de aquella época, hasta los años 60 que firma contrato con la RCA, ya que la ABC no lo consideraba más un éxito juvenil.

Para aquella época Paul considero que lo mejor era explotar su lado actoral es así que se animó a participar en el film The Longest Day, actuando y creando el tema musical de dicha película. Dejó pasar el cine y se animó a cantar en los clubes nocturnos afirmando que era la única forma de estar más cerca a su público, que sin duda lo seguían por Las Vegas.

A Paul Anka se le conoce más por haber sido el escritor de varios de los temas del talentoso cantante Frank Sinatra, como son Comme dHabitude y My Way. No sólo fue escritor de algunos temas para Sinatra también lo fue para Tom Jones, para quien escribiría la canción que lo haría tan famoso She is a Lady.

1974 vuelve a ocupar el Top esta vez con la numero uno, la canción "(You're) having my baby" un dúo con Odia Coates, con quien grabó también los temas "One man woman/one woman man" y "I don't like to sleep alone".

Su éxito seguiría hasta la década de los ochenta, en donde se aleja de las grabaciones y  sigue cantando en diversos clubes y casinos.

Paul Anka se ha casado dos veces, primero en la década de los 60 se casó con la modelo parisina Anne de Zogheb, con quien estuvo casado por casi cuarenta años y con quien tiene cinco hijos.

2000  - Contrajo nuevas nupcias con la sueca Anna Anka.

Discografía:


2013 - Duetos

1988 - The Best Of

1963 - 21 Golden Hits